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La créativité disparaîtra: sept documentaires sur les arts à regarder



La créativité artistique ne peut pas être arrêtée.
Alors que nous pratiquons la distance sociale pendant la pandémie de coronarvirus, voici une grande poignée de documentaires – tous disponibles pour le streaming sur Amazon – qui nous rappelle l'étendue de l'imagination créative.
L'artiste et immigrant chinois qui a donné au classique de Disney «Bambi» son style visuel de signature. Les premiers artistes graffiti et hip hop de New York des années 80. La jeune prodige de l’art adolescente qui est devenue la portraitiste officielle de Marie-Antoinette. Une photographe dont la cécité devient son art. Et l'artiste Austin qui fait des collages énigmatiques convaincants à partir de morceaux de livres et de papier.
Les circonstances à travers les âges peuvent changer. Et notre créativité aussi. – Jeanne Claire van Ryzin, éditrice
Tyrus Wong, qui a immigré aux États-Unis en 1919, a fusionné la peinture de paysage chinoise classique avec le modernisme du 20 e siècle qui a donné le classique animé de Disney «Bambi "Son look sobre et envoûtant.
En effet," Bambi "est l'un des rares films d'animation Disney à porter la marque d'un artiste individuel. Pourtant, pendant des décennies, peu de gens connaissaient la signature artistique de Wong dessus.
Ce documentaire inspirant et sensible retrace la vie de Wong depuis son enfance appauvrie à travers le parti pris racial qu'il a enduré pendant des décennies et le manque chronique de reconnaissance qu'il a reçu alors même qu'il définissait l'apparence de tant de films.
Wong a rejoint Disney en 1938, commençant comme un "entre-deux" créant des dizaines de dessins légèrement différents placés entre les poses principales de Mickey Mouse. Pour «Bambi», Wong a peint des paysages impressionnistes de style dynastie Song pour le monde des petits cerfs, si impressionnant le directeur artistique de Disney que Wong est devenu le «concepteur conceptuel» du film.
Plus tard chez Warner Brothers, Wong a créé des story-boards et des décors pour des films tels que «Mildred Pierce», «Key Largo», «Rebel Without a Cause», «Giant», «Around the World in 80 Days», «Auntie Mame», «Rio Bravo», «The Music Man», «Harper» et «The Wild Bunch». Mais vous ne trouverez pas son nom dans les crédits à l'écran.
Bien que Wong ait vécu jusqu'à 106 ans (il est décédé en 2016), ce n'est qu'à l'âge de 90 ans qu'il a commencé à être reconnu pour ses nombreuses contributions à
Grand Rapids, Michigan abrite ArtPrize une compétition internationale avec de gros prix en argent décernés par des jurys d'artistes et des votes publics. Tout artiste de n'importe où travaillant sur n'importe quel support peut participer, et pendant 19 jours, les projets sont exposés dans une variété de lieux disséminés dans la ville du Midwest. Le documentaire divertissant de Jody Hassett Sanchez jette un œil à l'événement annuel qui attire près de 1500 soumissions et un demi-million de visiteurs.
Certaines entrées s'avèrent assez sérieuses comme une grande peinture commémorant le massacre de la course de Tulsa de 1921. Mais il y a ensuite un ancien couvent peint rose vif à l'intérieur duquel se trouvent des artistes féminines sur des balançoires géantes.
Pour gagner des votes publics, certains artistes se livrent à des passants; d'autres non. Nous entendons les déclarations publiques simples sur la qualité de l’art et celles des jurés officiels d’artworld.
Les gagnants de 500 000 $ en prix? Dans certains cas, vous serez surpris mais pas du tout.
Note aux téléspectateurs d'Austin: Dana Friis-Hansen, directrice du Grand Rapids Art Museum (ancienne directrice du Austin Museum of Art) est brièvement aperçue dans une scène de foule.
Elisabeth Vigée Le Brun a peint son chemin dans le cercle intérieur de la cour de Louis XVI à Versailles. Immensément douée pour créer des ressemblances flatteuses de la reine Marie-Antoinette de Louis XVI et d'autres membres de l'aristocratie française, Vigée Le Brun a reçu de beaux prix pour son travail. Mais son étroite association avec la famille royale s'est finalement révélée dangereuse avec le début de la Révolution française.
Fille d'un artiste, Vigée Le Brun a montré un flair pour le dessin à un âge précoce et par ses jeunes adolescents gagnait son propre argent grâce à
Bien qu'il ne s'agisse pas d'un docudrame, ce documentaire met en scène des acteurs reconstituant certains moments de la vie de l'artiste. Et tout au long du film, nous voyons de nombreuses peintures exquises de Vigée Le Brun. Elle a évité la mode cosmétique de la poudre sur le visage de ses sujets, et à la place, nous voyons de la couleur dans leurs joues et de la vivacité dans leurs yeux.
Un photographe dont la déficience visuelle se dissout dans la cécité totale. Un musicien dont les acouphènes progressifs le font quitter son groupe. Un artiste devenu boxeur dont les blessures à la tête provoquent une perte de mémoire extrême. Les trois créateurs de ce documentaire imaginatif et visuel ont transformé la perte en une manière différente de pratiquer leur art.
Graham Sharpe compose toujours des chansons et joue de la guitare acoustique pour lui-même, mais ne peut plus jouer avec d'autres musiciens à cause de l'incessant des bruits dans sa tête. Alice Wingwall a étudié l'histoire de l'architecture et la sculpture, mais avec le début de la dégénérescence visuelle, elle s'est tournée vers la photographie, les décors réels ou les décors miniatures provenant de l'œil de son esprit. Katie Dallam est une artiste qui a tenté de découvrir une autre identité à travers la boxe. Dans son premier et unique match, elle a perdu l'utilisation de l'hémisphère gauche de son cerveau. Tout en apprenant – manger, parler, marcher – elle est retournée à son art.
Tout au long de «Shoulder the Lion», nous sommes plongés dans des approximations de ce que pourraient être les pertes de ces artistes, y compris des sons électroniques perçants qui simulent les acouphènes.
C'est un beau film densément stratifié avec un thème plein d'espoir.
Certes, je suis un apologiste des artistes graffeurs qui, au début des années 80, ont illuminé bien des jours sombres de New York avec des couleurs vibrantes, des compositions puissantes, des lignes dynamiques, évocatrices citations, personnages de dessins animés et lettrage inventif pulvérisés sur des rames de métro ennuyeuses traversant des quartiers gris
«Style Wars» de Tony Silver a remporté le Grand Jury Prize for Documentary au Festival de Sundance 1984 et a ensuite joué sur PBS.
Bien que Silver comprend quelques scènes de break dance (avec un accent particulier sur Crazy Legs) et de rap, son accent principal est sur les graffitis, en particulier les gros "brûleurs" trouvés sur l'ex
Silver n'a pas rencontré tous les graffeurs importants, mais il a interviewé Vu Kase-2 Skeme et
Avec de nombreux plans de trains roulant et des graffitis de style sauvage du début des années 80, et avec des choix musicaux si évocateurs de la période – rap de Sugarhill Gang, Trouble Funk, Rammellzee , et bien sûr Grandmaster Flash – revisiter ce jalon dans l'histoire enregistrée du hip hop est vraiment réconfortant.
"Il y a une très bonne jambe", proclame l'artiste Lance Letscher en parcourant une pile de couvertures d'album vinyle à la recherche d'images pour son nouveau collage. Le natif d'Austin collectionne des milliers de livres, magazines, prospectus, catalogues, journaux et autres imprimés pour réaliser ses collages souvent à grande échelle et toujours complexes. De loin, les collages de Letscher ont un impact immédiat. Ils révèlent des dizaines de récits possibles et des significations inattendues.
La réalisatrice Sandra Adair nous emmène doucement dans la vie tumultueuse et l'esprit créatif de Letscher à travers des entretiens avec des amis, des parents, des collectionneurs, des galeristes et l'artiste lui-même. En tant que monteur de 18 longs métrages de Richard Linklater, Adair comprend parfaitement un art basé sur la découpe de morceaux de matériel visuel pour en faire quelque chose d’entier et de significatif. Et le compositeur d'Austin Graham Reynolds est le choix parfait pour composer la musique de ce documentaire avec sa capacité à varier du chaotique à l'harmonique.
En commençant par la magnifique mosquée Djenné du Mali faite de boue, le critique d'art britannique Waldemar Januszczak nous guide dans un voyage à travers de nombreux pays où l'architecture et l'art islamiques ont prospéré pendant treize siècles.
Januszczak suggère que tout l'art islamique contient «l'atmosphère du paradis», une représentation terrestre de ce que sera l'au-delà pour les fidèles. Et malicieusement, il commence par une vue arrière inconnue de l'un des bâtiments les plus célèbres du monde – le Taj Mahal.
Janusczak nous guide ensuite à travers de nombreux autres exemples d'architecture et de décorations islamiques impressionnantes: la mosquée Al-Azhar du Caire; la basilique Sainte-Sophie et la mosquée Sultan Ahmed à Instanbul; et à Damas, la plus ancienne mosquée du monde, achevée en 715. Samarkand se présente comme une ville étincelante de dômes scintillants aux tuiles turquoise. L'Iran révèle une superbe tombe en brique de 200 pieds de haut ainsi que les belles structures d'Ispahan, construites par les Safavides «en quête de plaisir, libres d'esprit et enfreignant les règles», les premiers dirigeants chiites de Perse.
Januszczak joyeusement atteint deux objectifs de la critique d'art: il fournit un contexte historique à ce que nous examinons et découvre des liens et des évolutions stylistiques.

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